Cómo dibujar ojos anime

Los ojos en el Anime 
Hola dibujantes del anime!, aqui traigo un pequeño tutorial sobre los tipos o formas de ojos que comunmente se usan en el anime).

Bueno empiezo, como sabemos los ojos son rasgos muy importantes en un dibujo, incluso la gente juzgara tu habilidad segun lo bien que puedas dibujarlos.

Variedad de estilos 
En la animacion japonesa podemos diferenciar los distintos estilos de dibujo que los autores japoneses usan para sus creaciones. Habitualmente se usan ojos mucho mas grandes que los ojos realisticos, y de angulos exteriores muy levantados, aunque cada uno puede hacer su propio estilo.

Yo en lo personal divido los ojos anime en 3 tipos las cuales muestro a continuacion.

TIPOS DE OJOS ANIME

Ojos redondiados
Podriamos decir que estos ojos son semi-realisticos, con el iris en tamaño real, pero con el angulo exterior levantado, un estilo que queda muy bien en dibujos detallistas.
Si os fijas en las lineas rojas que indican los bordes exteriores del ojo podras ver que las curvas son bastantes suaves.

Ojos curvisos
Estos ojos son mas al estilo Naruto, con la misma forma que la anterior, solo que en este caso el borde inferior del ojo es mas curvisa y recta.
La iris un tanto mas pequeña. Y las pestañas mas remarcadas (si es mujer).

Ojos grandes
Este ojos son mas grandes, angostos y largos, por lo tanto la iris tambien adopta esa forma.

Como dibujar camisas a partir del cuerpo

Cuando tengas algo de práctica, podrás dibujar la ropa directamente, pero al principio, te recomiendo que dibujes la ropa sobre el cuerpo humano desnudo. De esta forma nos saldrá perfecto; evitaremos errores como dibujar brazos demasiado largos o "cortar" partes del cuerpo. Además, matamos dos pájaros de un tiro, porque practicamos el dibujo del desnudo a la vez que el vestido.

Puntos a tener en cuenta en la imagen superior:

• Hombros - Dibujar los hombros del personaje te ayudará con el dibujo de tirantes, por ejemplo. Te ayudará a colocar mejor la parte alta de la prenda que estés dibujando.
• Pecho - Recuerda que el pecho es fundamental (en ambos sexos), y que si la ropa se ajusta al cuerpo, hay que marcarlos de alguna forma. Dibujarlos primero te ayudará a ubicar la zona pectoral y a colocar las arrugas y las sombras donde corresponde.
• Codo - Si dibujas el brazo completo antes, podrás ubicar con facilidad los codos. Así evitamos errores. Conozco casos de chavales que al principio, dibujan una manga doblada (un codo bajo ella), y después, al salir, dibujan otro codo (¿dos codos?). Puede que pienses que es una locura, pero este error es más común de lo que pensáis.
• Vientre - Dependiendo de la caída de la prenda o de la gordura del personaje, la zona del abdomen es un punto de referencia. Dibuja el cuerpo desnudo para saber dónde empieza la cadera. Dibujar prendas en las que el ombligo sea visible nos ayuda a ubicar este punto, así que puedes tenerlo en cuenta.
• Manga - La manga también se puede abombar como la parte baja, o ceñirse a la muñeca, pero dibujar el antebrazo y la muñeca te ayudarán a realizar este paso con más facilidad.
• Parte baja - ¿Alguien sabe cómo se llama esto en realidad? En fin. Tienes que tener en cuenta que según cómo lo porte el personaje, cada prenda caerá a una altura distinta, así que ten en cuenta siempre dónde está la cintura para no equivocarte.

A continuación, un detalle del dibujo anterior, convirtiendo el dibujo del desnudo en dos tipos de prenda: con brazos cubiertos y descubiertos.

• A - El dibujo rojo nos ha ayudado a ubicar el tirante de forma correcta.
• B - Fíjate que en ambos dibujos se ha señalado la separación de los dos senos con una pequeña sombra.
• C - La arruga del vientre se mantiene igual en los dos dibujos, porque aunque las prendas sean distintas, la caída es igual.
• D - En la versión de manga larga, se forman arrugas en el codo. Observa que hemos seguido la norma descrita en el punto anterior, cuando dibujábamos pliegues con los conos.
• E - La manga se abomba y cerramos la muñeca.

Es evidente que los dos dibujos han salido tan semejantes entre sí porque ambos se han realizado a partir del mismo cuerpo. Practica esta técnica, la de dibujar prendas a partir del cuerpo real del personaje, y verás cómo llegas a tus propias conclusiones.

Dibujar camisas

Sinceramente, no sé cómo se le llama a la parte de arriba de la ropa de forma general. Como he dicho antes, existen infinidad de prendas para ponerse en la parte superior; que dependen del sexo; que dependen de la edad; que dependen de la época; que dependen de la cultura; que dependen del estilo de dibujo... ¿Qué podría explicar aquí? Pues intentaré daros algunos consejos, porque no consigo obtener normas universales y transferibles para estas prendas. Por ejemplo, tenemos el siguiente dibujo.

En él, tenemos un dibujo de una camiseta básica para hombre y otra para mujer (ambos delgados y jóvenes, que es lo más sencillo). Las imágenes son las siguientes:

Los puntos que considero interesante en el dibujo del chico son:

• A - El cuello. El tipo de cuello varía en función del tipo de camisa. A veces nos equivocamos y dibujamos un cuello redondo y dos viñetas más tarde, en forma de pico (¿por qué pluralizo si sólo lo hago yo?).
• B - La arruga del hombro. En casi todos los casos, veremos que se marca la curvatura que corresponde al hombro. Recuerda que aunque no lo estés dibujando, el brazo del personaje está ahi, y tienes que imaginarlo como una línea invisible.
• C - La arruga del pecho. Normalmente, definimos con un pliegue la forma del pecho antes de empezar el abdomen. En un cuerpo atlético sano, el pecho del hombre es más ancho arriba que abajo, por lo que la camiseta podría tomar esa forma (aunque esto depende del estilo de dibujo).
• D - La caída de la camiseta. En este caso, lleva la camiseta por dentro, por lo que se crea una pequeña "bolsa" que abomba la parte alta de la cintura. Observa que en este caso los laterales están ligeramente inflados y que se han dibujado unas arrugans en medio, que representan que la camiseta está doblada y metida dentro del pantalón.

Los puntos que considero interesante en el dibujo de la chica son:

• A - El cuello. Lo mismo que antes.
• B - El hombro. Ten en cuenta que el brazo de una mujer suele ser más delgado que el un hombre, que la las prendas caen de forma distinta. Todo depende del estilo de dibujo y de ropa.
• C - Los pechos. Dependiendo del volumen de los pechos de la chica, se creará una arruga de una forma u otra en la camiseta. Esto es artísticamente relevante. Si la chica lleva la camiseta por fuera del pantalón, la camisa caerá hacia abajo tras pasar por los pechos, y éstos se verían menos marcados. Sin embargo, en el ejemplo, se lleva la camiseta por dentro del pantalón, por lo que la ropa de adhiere más a la figura, y normalmente se marcan los pechos haciendo un trazo o sombra en el punto C'.
• D - En este caso, para no hacerlo igual que el anterior, en lugar de abombar la parte baja se ha apretado, y se observa que a nivel de arrugas el efecto es similar.

En el siguiente ejemplo vemos una camisa con botones y cuello. Sólo quiero demostraros lo ambiguo que es dibujar una de estas prendas, porque podemos estar ubicados en cualquier época, y el dibujo de la camisa cambiar por completo. Mirad la imagen:

El primer dibujo representa una camisa "normal". Fijaos en el cuello: he hecho unas sombras para darte profundidad a esa parte de la prenda. Se forman arrugas en la parte de las axilas y el alto número de arrugas en el brazo nos invita a pensar que la camisa está algo ceñida al cuerpo.

Sin embargo, el otro dibujo presenta una camisa al estilo pirata, más ancha y con más florituras. Fijaos en los ¿volantes? que lleva esta camisa. ¿No os recuerdan a los dibujos que hemos hecho antes en el punto de los pliegues? Vaya, ya los hemos usado para algo. Fijaos en cómo caen las mangas, haciéndose más anchas a medida que descendemos. Hay menos arrugas porque la ropa cae, y se deja influir menos por el movimiento del brazo.

Como dibujar a una mujer anime (cuerpo y rostro) – Paso a paso

Base y Proporciones

Paso 1: El primer paso es hacer el boceto del cuerpo completo, obviamente empezando primero por la cabeza. Hacemos un circulo y una línea intermedia, luego dos líneas horizontales las que indicaran la posición y el tamaño de los ojos, en este tutorial haremos ojos grandes, tu podéis hacerlos del tamaño que desees.

Paso 2: Ya tenemos listo la base de la cabeza. Dibujamos los ojos entre las líneas horizontales que fijamos anteriormente. Continuamos con los parpados y cejas. La ubicación de la nariz y boca deben estar por debajo del círculo. Y por último dibujamos las orejas, las cuales limitan a la misma altura de entre la nariz y las pestañas superiores. Terminado esto borramos todas las líneas sobrantes.

Paso 3: Para conseguir un boceto perfecto tanto en las medidas como en las proporciones, debemos dibujar “por separado” todas las partes del cuerpo como el cuello, torso, cintura, hombros, codos, manos, de esta manera facilitamos las medidas de forma visual. Todo esto debe medir 2 veces el tamaño de la cabeza.

Para evitar enchuecarnos en el trazado, utilizaremos una línea central.

Paso 4: De la misma manera que los brazos dibujamos la base de las piernas, el largo de las piernas será un poco más de 3 veces el tamaño de la cabeza. Para evitar desvíos en el trazado, es recomendable utilizar una línea central dentro de cada pierna. Luego hacemos los círculos (que simularan a las rodillas), y después lanzamos el trazado.
Así nos quedaría el tamaño total del cuerpo entre 6 a 7 veces el tamaño de la cabeza (en una mujer joven).

Repaso y DetalladoPaso 5: Ahora que ya tenemos listo la base y proporciones del cuerpo, solo nos quedaría por hacer el cabello, el vestuario, el remarcado y algunos toques más.
Respetando la física y lógica dibujamos el cabello separada a una pequeña distancia del cráneo, luego borramos lo indeseado en el cabello, y por ultimo detallamos los ojos, orejas, boca y algunas sombras.

Paso 6: La manera correcta de dibujar el cuerpo restante es hacer el vestuario primero y después remarcar las partes descubiertas del cuerpo. Así que dicho lo anterior primero vestimos a nuestro personaje (en esta ocasión dibujare un vestuario simple) y a la vez vamos remarcando y borrando la base que teníamos hecho.

Paso Final: Y por último remarcamos las piernas, hacemos un pequeño sombreado en las rodillas, dibujamos las sandalias y terminamos borrando toda la base que utilizamos como referencia.

En resumen son solo dos pasos principales para dibujar a una mujer anime, que podemos observar en este tutorial.

Métodos y técnicas para pintar al óleo 

Algo que me entusiasma bastante cuando hablo de la pintura al óleo es recordar las grandes posibilidades y ventajas que tiene sobre muchos otros tipos de pinturas.

El óleo se esparce suavemente sobre la superficie haciendo del pintar un momento verdaderamente relajante pues no tenemos en mente la angustia que se generaría si la pintura se secara rápidamente.  Es como si el tiempo se detuviera mientras nuestra mano danza rítmicamente con el pincel.

También es verdaderamente maravilloso cuando mezclamos los colores para formar unos nuevos, como si lleváramos a cabo un acto de magia, enlazándolos y generando transiciones tan suaves que no podemos percibir cuando un color pasa a ser otro.

Podemos regalarle a nuestro lienzo capas tan delgadas como las veladuras o tan gruesas como los impastos, hacer una obra meticulosamente elaborada en varias sesiones y con previos estudios, o una obra fugaz pero bien lograda en “Alla prima”,

Y como ya mencioné algunos términos que podrían ser poco familiares,  veremos una breve descripción de estas técnicas para pintar al óleo, que luego en futuros artículos explicaremos en detalle y con ejemplos prácticos.

Estas técnicas por lo general se complementan y se superponen entre sí, pero para su entendimiento las describiremos por separado.

 Métodos según el número de sesiones y capas de pintura

Pintura Indirecta, húmedo sobre seco o pintura por capas

Es la técnica en la que se realizan varias capas de pintura durante varias sesiones.  Se pintan primero capas delgadas y progresivamente capas más gruesas, aplicando la regla ya vista de graso sobre magro.  Requiere de paciencia y algo de planificación de la obra, ya que hay que esperar que las capas sequen para continuar con las siguientes.  Es el método  más aplicado por aficionados y profesionales, por sus enormes posibilidades, resultados y flexibilidad al  permitir dedicarse a varios cuadros al mismo tiempo.

Por lo general la primera capa constituye un pre-pintado para en dar al lienzo un color de base, ya sea de forma uniforme en toda la superficie (base tonal), como una base monocroma que marca los valores tonales de la composición (grisalla) o una base que marca los colores base para cada objeto de la composición. Puede ser utilizado sólo como guía o también como elemento integral del resultado final dejándolo como fondo visible.  Su importancia radica en proporcionar luminiscencia a la obra y en dar una unidad en la pintura con un color dominante.

La mayoría de las grandes obras clásicas son pintadas con este método, debido a sus delicados detalles, definición en las pinceladas y además a que aún poseían una paleta con pocos colores que les impedía una ejecución más veloz, al tener que hacer diferentes mezclas para llegar a un determinado tono.

LA ANUNCIACION, Leonardo Da vinci, Renacimiento

Pintura directa, alla Prima o húmedo sobre húmedo

Se refiere a que el cuadro queda realizado “a la primera”,  es decir al primer intento,  en una sola sesión de pintura continua, sin esperar a que se seque alguna capa para poder continuar con la siguiente.  Se aplican capas de base y las otras se aplican cuando aún las primeras están húmedas.  Dada su complejidad y habilidad requerida, generalmente se realiza para cuadros de menor tamaño y por artistas más experimentados. Si recuerdas los famosos capítulos de “Pintando con Bob Ross” entenderás mejor de lo que se trata la pintura “Alla Prima”.

Vincent Van Gogh, Monet y en general los grandes pintores impresionistas utilizaron el método de “Alla prima” para plasmar sus obras y lo popularizaron entre los artistas.

Técnicas ópticas

 Veladuras

En inglés se le conoce como “glazing” por derivación del  francés “glacer”, y se ha traducido como veladura o acristalamiento. Consiste en aplicar una capa delgada de color tranparente o semitransparente sobre otro generalmente opaco y de un color más claro, pero siempre sobre capas totalmente secas,  por ello es para pintores verdaderamente pacientes, al igual que para los más experimentados, ya que los colores deseados se van formando por la adición de estas capas que se superponen, así que se debe estudiar y conocer la forma como se llegará al resultado final, así como las propiedades de opacidad y transparencia de los pigmentos. La pintura se mezcla con una buena cantidad de medio para hacerla bien transparente.

Los grandes maestros de la pintura lo practicaron y perfeccionaron, dándoles a sus obras un gran realce del color que de otra manera no se puede obtener. La usaron para obtener hermosas tonalidades de piel e increíble realismo a las telas y otras superficies.

Tengamos en cuenta que aunque se diga que la aplican los más expertos, los que estamos en un proceso de aprendizaje y descubrimiento de la pintura al óleo la podemos utilizar y experimentar, para conocer en carne propia los más íntimos secretos de esta majestuosa técnica de pintura al óleo.

Una variante de las veladuras consiste en extender un color cuya consistencia sea media o ligera sobre la superficie deseada y retirándola luego con un pincel o trapo limpio, seco y áspero.  Así la pintura queda en las ranuras o partes más profundas de la superficie sobre la que se pinta, ayudando a corregir algunos colores y dar sensación de alejamiento y oscuridad en la sección frotada.

Cuando veamos un retrato extraordinariamente realista, con pieles tan reales que es difícil diferenciar la imagen de una fotografía, así como hermosas telas sedosas, satines, velos o la luz exterior atravesando una cortina, sin duda podremos deducir que el artista aplicó unas cuantas capas de veladuras para lograr tan magníficos resultados.

He aquí algunos ejemplos:

Restregado,  pincel seco o scumbling

Se obtiene aplicando el óleo sobre otra capa de pintura seca.  Se utiliza el color por lo general sin medio o diluyente, con un pincel seco untado con poco pigmento, para lo cual se frota el pincel cargado sobre un papel o trapo para retirar el excedente, y luego se aplica en el lugar deseado de manera ligera y suave.  De esta manera quedan pintadas las partes más sobresalientes de la superficie. Se utiliza para efectos como niebla, rayos de sol, objetos envejecidos, pastos, hojas de árboles, objetos rugosos, etc.  Por lo general se aplica con un color opaco sobre otro también opaco pero de un tono más oscuro, en forma circular, lineal, punteada, etc.

En las obras del artista contemporáneo del Reino unido, Jeff Rowland, vemos una interesante aplicación de esta técnica para representar la lluvia.

Técnicas para dar texturas y otros efectos

 Impasto

Esta técnica para pintar al óleo proporciona una gran riqueza a la obra, ya que además de percibir su color nos permite deleitarnos con texturas y relieves, llevando la pintura a límites cercanos a la escultura.

Se realiza aplicando cantidades generosas de pintura espesa, ya sea con una espátula de pintor o con pincel.

Se utiliza en muchas ocasiones como base para algunas veladuras.

Vincent Van Gogh utilizó en sus obras impastos aplicados con pinceles cargados de pintura.

Pintores contemporáneos como Leonid Afremov (Bielorrusso 1955) y Bárbara McCann (Estadounidense 1954-2011) utilizan en prácticamente todas sus obras la técnica del impasto con espátula.

Frotado

Es la técnica de dar textura con la ayuda de un papel no absorbente u otros materiales. Se aplica una capa espesa de pintura,  se frota con el papel ya sea liso o arrugado, y luego se retira cuidadosamente, dejando en la superficie interesantes efectos.  Esta técnica de pintura es muy utilizada en los cuadros más modernos y en los abstractos.

También se le llama frotado o frottage a la técnica de aplicar la pintura y luego retirar el exceso con un trapo suave.

Otras técnicas

Existen otras técnicas para dar texturas a los cuadros, como utilizar arena y pasta para modelar entre otros materiales.  En cuanto a las técnicas para pintar al óleo las posibilidades son inmensas, sólo es cuestión de atreverse, experimentar y seguir algunas pautas básicas.

Como ejemplo de las texturas en las pinturas, están los artistas contemporáneos Andre Kohn y Alexander Sigov. Su técnica no la han revelado ampliamente, pero se puede apreciar que le imprimen cierto relieve al lienzo antes de proceder con la pintura.  Probablemente aplican al lienzo una capa de pasta para modelado y/o gesso.  Alexander Sigov además de óleos utiliza pinturas acrílicas y otras técnicas para llegar a tan impresionantes resultados.

Estas son las principales técnicas para pintar al óleo, pero existen inmensas posibilidades, todo depende de nuestra creatividad.  Recuerda seguir nuestras publicaciones ya que en otros artículos nos adentraremos en algunas de estas técnicas para pintar al óleo.

¿Qué son los Graffitis?

Se denomina graffiti a la pintada con aerosol o diferentes pinturas, con diversas formas, como inscripciones, reconocidos en zonas urbanas con caracteres únicos y personales.

Se refiere a una pintada particular, de carácter abstracto en las paredes de forma libre y creativa con infinitas expresiones, las cuales sus protagonistas las divulgan con determinado fin, generalmente su esencia es revolucionaria y rebelde, por lo que se pueden encontrar graffitis políticos. Es realizado de manera espontanea, rápida y generalmente por la noche, en lugares públicos, de manera anónima.

Clases de Graffitis

Se clasifica según géneros que determinan estilo y sobre lo que se pintara:

Tags: comprende el escalón mas bajo de los graffitis, por su poca complejidad y sencillez y, sobre todo, por su escaso tiempo de elaboración que requiere. Puede decirse que este estilo es la madre de todos los graffitis, comenzaron a aparecer en la década de los 60.

El autor de los mismos pinta su nombre en la pared, con letras legibles ya que se encontraban con muchas limitaciones en esa época. Una vez impuesto este graffiti, se reconoce una evolución del mismo, ya que comenzaron a complejizarse, encontrándose no solo el nombre del autor sino también el número de la calle a la que pertenecían. El hecho que comenzara a proliferar y imponerse este estilo, permitió que se implementara una mutación convirtiéndolo en algo más complejo, que empapelaban las paredes de trenes, edificios, etc., por lo que debieron agregarle detalles para embellecerlas para que no pasaran desapercibidas.

En este momento comienza la guerra de estilo, encontrándose tres  diferentes: brodway elegant, característico de la zona de Manhattan, contiene caracteres alargados, finos y muy juntos; Brooklyn, contiene letras separadas y altamente decoradas con flechas, corazones, círculos, etc.; y Bronx, se definía como una fusión de los dos anteriores estilos.

Tag con Outline: una variación del estilo tag, gracias a la creación de firmas con letras más anchas, pudieron aflorar el Outline (bordes que recubran las letras de las firmas), la cual consistía en una línea de otro color y menor grosor que adornaba cada letra.

Bubble letter: puede conocerse bajo el nombre de letra pompa, por lo que se conoce como letras gordas, mas anchas que las de outline, redondeadas con color diferenciado de relleno y borde, puede estar adornada con estrellas, rayas, círculos, etc.

Throw ups: contiene caracteres con poca definición y diseño, ya que su función principal es la de generar cantidad y no calidad de las letras. Por lo que se aprecian caracteres de grandes dimensiones rellenos con la menor cantidad de pintura posible y la menor cantidad de tiempo posible, también.

Block letter: es altamente apreciado su legibilidad y tamaño. Deben mantener un diseño sencillo, con caracteres de gran tamaño cuya función principal es ser muy explicito, es decir, de una sola mirada los individuos deben poder determinar qué dicen, generalmente, en largas distancias.

Wild Style: la complejidad y diseño original es lo que caracteriza este estilo de graffiti, por lo que se ha convertido en el más popular y practicado por los individuos. Pueden encontrarse adornos alrededor de las letras de gran complejidad, puramente estéticos.Es en estos momentos donde aparece otra guerra de estilo, por lo que se desprenden dos estilos diferenciables por su composición: estáticos, se denominan así por su carácter geométrico, con ángulos, rectas y curvas pronunciadas; y dinámicos, utiliza conexiones y adornos más suavizados y estilizados por o que dan la sensación de más movimiento.

Model pastel: busca buscar la atención de los individuos por su complejidad y combinación de colores. Su característica principal es la búsqueda de un efecto tridimensional en sus caracteres, lo consiguen de diversas maneras, tanto por la forma en que combinan los colores como con trazos especiales que determinan efectos debrillo y sombra en diversos lugares de las letras.

Dirty: también como estilo basura, crean figuras incorrectas, deformando los componentes de un graffiti, por lo que se crea el “estilo sucio”. Es muy complicado determinar si este estilo es fabricado de manera intencional por su autor o si solamente se trata de un graffitero de poca experiencia y talento.

Characters: Se crean personajes que acompañan a las letras, aunque pueden encontrarse graffitis puramente personificados. Estos autores comprenden la gama de los pintores con gran experiencia en elementos complejos, ya que estos mantiene un alto de nivel de dibujo y pintura. Generalmente tiene forma de comics.

Iconos: Se considera una derivación de los personajes, pero con menos complejidad y más esquemático. Considera que su función principal es llamar la atención del espectador y transmitir cierto mensaje, generalmente, revolucionario. Algunos autores hasta han sustituido su nombre por un icono, ya que este es más fácil de recordar. Se busca crear iconos de gran originalidad e impacto visual, algo inusual.